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lunes, 19 de septiembre de 2016

Plaza del Campidoglio (obra)

Piazza Campidoglio
Plaza del Campidoglio
Imagen: Google Maps 3D
La Plaza del Campidoglio de Roma se encuentra en lo alto de la colina Capitolina.
Fue proyectada por Miguel Ángel en 1536 bajo el encargo del papa Paulo III con ocasión de la visita del emperador Carlos V.
Su planta es trapezoidal y se adapta a los edificios ya existentes. Su pavimento dibuja un ornamento en forma de estrella. Sobre los edificios existentes, el Palazzo dei Conservatori y el Palazzo Senatorio, Miguel Ángel previó una reforma en las fachadas de los edificios medievales. Pero además planificó la construcción de un tercer palacio, el Palazzo Nuovo. Tanto en éste como en el Palazzo dei Conservatori se conserva y expone la colección de los Museos Capitolinos.
Según los planos de Miguel Ángel, la estatua ecuestre de Marco Aurelio debía convertirse en el centro que dominara toda la plaza.
Una rampa ancha, la "cordonata", cuyas balaustradas se decoran con esculturas clásicas, hace posible el acceso a la plaza, que no se terminaría definitivamente hasta el siglo XVII.
Como curiosidad, el trazado del pavimento y la estatua ecuestre aparecen en el reverso de la moneda italiana de 50 céntimos de euro.

martes, 13 de septiembre de 2016

Pop art o arte pop (tema)

"El arte pop es popular y destinado a un público amplio, pasajero y efímero, fácil de consumir y de olvidar, barato, producido en serie, joven y querido por la juventud, espiritual, sexy, llamativo, simpático, un negocio redondo."
Richard Hamilton.

La recuperación económica tras la Segunda Guerra Mundial traía con ella un consumo que se iba a convertir en una característica definitoria de la nueva sociedad. Debido a la relación del consumo con el arte pop, su desarrollo es mayor en las sociedades más avanzadas económicamente hablando: Estados Unidos e Inglaterra.
Richard Hamilton - ¿Qué tienen los hogares modernos que los hace tan diferentes, tan atractivos? (1956)
Richard Hamilton - ¿Qué tienen los hogares modernos
que los hace tan diferentes, tan atractivos? (1956)
El pop art, cuyo auge se produce en los años sesenta del siglo XX, toma sus temas de la cultura popular de la forma en que la transmiten los medios de masas, con preferencia por los estereotipos. Sus imágenes son las de las revistas ilustradas, la televisión, el cine, la publicidad... Se trata, por lo tanto, de imágenes intrascendentes y superficiales, pues lo que interesa no es la realidad de las cosas, sino su representación.
Por otra parte, el arte pop se integra plenamente en el modo de producción industrial de la época, pues los procedimientos artísticos son industriales: las imágenes se fabrican en serie y se venden como productos de supermercado. El artista, el yo, ya no es el protagonista, sino que lo son las propias imágenes, a través de las cuales los artistas buscan atraer la atención del espectador sobre todas las cosas que la alta cultura había desdeñado.
Formalmente se busca la máxima simplificación, tomando como base los procedimientos de la publicidad y la imprenta: grandes formatos, gama de colores limitada, el enmarque y la repetición de objetos... Desde el momento en que el tema es todo aquello que nos rodea y que hasta ahora había sido despreciado como material no artístico, el trabajo consiste en elegir, manipular, reproducir. Por eso en el pop tiene tanta importancia la copia, la reproducción y la cita.
Entre los autores del arte pop en Estados Unidos podemos destacar a Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Claes Oldenburg. 
Por otra parte, entre los artistas pop europeos cabe mencionar a Richard Hamilton y David Hockney.

viernes, 2 de septiembre de 2016

José de Ribera (1591-1652) (tema)

José de Ribera, conocido como El Españoleto, es considerado uno de los grandes artistas del barroco, representante de la corriente naturalista y tenebrista. Tiene ciertas semejanzas con Caravaggio, pero a él el tenebrismo le sirve para introducir misterio en composiciones llenas de serenidad. Es conocido por sus cuadros de mártires y santos bajo una luz tenebrosa. Pero a la vez que tenebrista también fue un gran colorista.
Nació en Játiva en 1591, pero en los primeros años del siglo XVII viaja a Italia, estableciéndose poco después en Nápoles hasta su muerte.
Fue pintor de la realidad, en la que triunfa la representación del carácter individual en sus figuras de viejos o ascetas al igual que en la belleza de los cuerpos varoniles de sus Cristos desnudos. 
Se trata de un maestro de la composición en cuyas obras destaca su monumentalidad. Además, son características de su obra los martirios sin sangre y la interpretación de los temas mitológicos con cierto humor hispano, además de cierto interés por la cultura clásica y la estatuaria antigua.
Pero además de pintor fue un excelente grabador aguafuertista, donde se muestra su gran dominio del dibujo y de las sombras.
Mujer barbuda - José de Ribera
Mujer barbuda
José de Ribera
En 1630 entra en contacto con Velázquez y a partir de entonces se produce en su pintura un afinamiento de los grises. Además de la monumentalidad ya mencionada, característica suya fue la descripción de lo característico humano y una indagación en las diferenciaciones del individuo.
Poco a poco y conforme va pasando el tiempo Ribera se va liberando del tenebrismo en los años siguientes, evolucionando hacia la claridad, belleza y armonía y acentuando la riqueza de color en sus obras. No se trata de una transición brusca, sino que sigue recurriendo al claroscuro inicial pero buscando efectos de color más atmosféricos y menos duros. De esta época son obras como Magdalena Ventura con su marido (La mujer barbuda) o la Trinidad de la tierra con san Bruno y otros santos.
Frente al barroco italiano, Ribera huye de las composiciones complicadas a favor de la sobriedad, como ocurre en El sueño de Jacob.
Ribera muere en Nápoles en 1652 dejando una fuerte influencia entre sus seguidores. Ya en el siglo XIX fue el ídolo de las generaciones del naturalismo, como Courbet y los realistas.

Ver también: José de Ribera (listado de obras)