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domingo, 13 de agosto de 2017

Gérard David (tema y listado)

Gérard David (h. 1460 - 1523) es un pintor de origen holandés que podríamos encuadrar dentro de los conocidos como "primitivos flamencos" y que estuvo al frente de la escuela de Brujas al igual que Hans Memling, pasando después a Amberes. Se inspira en los grandes maestros flamencos que le preceden creando un arte personal lleno de dulzura y preciosismo. Es además un excelente pintor de paisajes, con un tratamiento de luces y sombras cercano al sfumato de Leonardo. De él se conservan unas sesenta obras autógrafas y algunos libros miniados
Gérard David - Descanso en la huida a Egipto
Descanso en la huida a Egipto (h. 1515)
Museo Nacional del Prado
En su estilo se registran diferentes etapas: entre 1484 y 1490 se detecta en su obra la influencia de la obra de Dirk Bouts, especialmente en la composición del paisaje, y de Jan van Eyck, en los detalles y en las figuras (La Crucifixión del Museo Thyssen-Bornemisza); su etapa de madurez tiene lugar entre finales del siglo XV y principios del XVI con obras como La justicia de Cambises o el Bautismo de Cristo; en una última etapa, entre 1510 y 1515, secularizó algunos temas adaptándolos a los nuevos tiempos, como en El descanso en la huida a Egipto del Museo Nacional del Prado de Madrid. 
Destaca no sólo por su calidad artística, sino también por sus innovaciones temáticas y en la organización del taller. Se le considera además un precursor de la pintura de paisaje. Además, aúna en su obra lo mejor de los grandes maestros flamencos como Robert Campin, Jan Van Eyck, Rogier Van der Weyden y Hugo Van der Goes, cuya lección interpretó de una forma personal. 
Sus obras son melancólicas y están envueltas en delicioso romanticismo. Por otra parte, representa temas amables, vírgenes con niño, obras en las que crea un tipo iconográfico muy característico en el que combina la ternura maternal de María con un estudio preciosista de la naturaleza muerta y el paisaje.
Sus discípulos más sobresalientes fueron Ambrosius Benson y Adriaen Isenbrandt, que ejercieron de elemento difusor de su estilo por toda Europa.

Algunas de sus obras son:
- La Crucifixión
- La Natividad
- La justicia de Cambises
- El Bautismo de Cristo
- El descanso en la huida a Egipto
- La Virgen con el Niño
- La Virgen con el Niño y dos ángeles que la coronan
- La Virgen de la sopa de leche

viernes, 2 de junio de 2017

Francisco Ribalta (1565-1628) (tema y listado)

Francisco Ribalta (Solsona, 1565 - Valencia, 1628) fue un pintor naturalista barroco español. Su obra se caracteriza por un intenso claroscuro que sería la seña de identidad de la pintura valenciana del siglo XVII y por la influencia del espíritu religioso de la Contrarreforma.
Fue bautizado el 2 de junio de 1565 en Solsona, Lérida y de niño se trasladó a Barcelona, donde inició su formación como pintor.
Su primera obra conocida, los Preparativos para la Crucifixión, aparecen fechados en Madrid en 1582. Posteriormente pasó por El Escorial, donde conoció la obra de los pintores venecianos y se dejó influir por la de Sebastiano del Piombo. Elabora por ello un estilo ecléctico que conjugaría la retórica de Cincinato, los escorzos de Tibaldi y la gravedad de Carducho, con el dramatismo de Navarrete y el claroscuro de Cambiaso.
Entre 1585 y 1598 pinta obras religiosas y retratos.
En una fecha desconocida se casa en Madrid con Inés Pelayo, con quien tuvo dos hijas y un hijo llamado Juan que también sería pintor.
A finales del siglo XVI abandonó Madrid siendo ya un pintor consolidado y con cierto volumen de obra.
Cristo abrazando a San Bernardo (1625-7)
Museo Nacional del Prado
En 1599 se encuentra ya en Valencia, probablemente por las demandas artísticas del patriarca arzobispo Juan de Ribera, y entre 1603 y 1605 reside en Algamesí, donde realiza diferentes retablos, destacando el retablo mayor de la iglesia parroquial, en los que es notable la influencia de su estancia en El Escorial, con un naturalismo menos fuerte y un estilo cada vez más personal.
En la segunda década del siglo XVII, coincidiendo con la expulsión de los moriscos y la muerte del patriarca Ribera, su obra se vuelve más intimista y profunda, muy en línea con el espíritu de la Contrarreforma. De nuevo en Valencia, Ribalta evoluciona hacia un naturalismo más estricto y se cree que pudo viajar a Italia, donde habría conocido la obra de Caravaggio. Sin embargo, su tenebrismo no se acerca al de éste, sino que es más conservador, con un desinterés por la objetividad de la materia que lo acerca más a las obras de El Escorial. Realiza ahora obras con una gama de color simplificada, más contenida y sobria, una composición simple y una acentuación del naturalismo, como la Visión del ángel músico o San Francisco abrazando al crucificado. Además, sus figuras pierden en gesticulación para ahondar en intensidad expresiva.
Recibirá encargos hasta 1627 y morirá repentinamente en enero de 1628. Su hijo Juan moriría en octubre del mismo año.

Algunas de sus obras son:
- Preparativos para la Crucifixión
- Encuentro del Nazareno con la Virgen
- Degollación de Santiago
- Anunciación
- Sor Margarita Agulló
- Hermano Francisco del Niño Jesús
- Aparición de Cristo a San Vicente Ferrer
- Última Cena
- Consagración de San Eloy como obispo de Noyon
- Cristo muerto sostenido por ángeles
- Visión del ángel músico
- San Francisco abrazando al crucificado
- Cristo abrazando a San Bernardo
- El alma bienaventurada
- El alma en pena

martes, 7 de marzo de 2017

Neoplasticismo (tema)

El Neoplasticismo o movimiento De Stijl (1917-1931) se caracteriza a través de la obra de los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg y el arquitecto Gerrit Rietveld. Aunque tuvo otros miembros, se trata de una unión cuyo vínculo formal fue la firma del Primer Manifiesto De Stijl (1918), en el que declaran que la nueva conciencia debería salvar el equilibrio entre lo universal y lo individual (algo que también hará Mondrian individualmente en "El Neoplasticismo en pintura" y en "La morfología y la neoplástica"). 
Se trata, como muchas vanguardias, de un testimonio de la crisis general de la conciencia europea ante la Gran Guerra y de una de las primeras propuestas de un nuevo arte para un mundo nuevo, caracterizada por su optimismo o esperanza.
Piet Mondrian - Composición en rojo, amarillo, azul y negro (1926)
Piet Mondrian
Composición en rojo, amarillo, azul y negro (1926)
Este movimiento nació como confluencia de dos modos conexos de pensamiento: la filosofía neoplatónica del matemático Schoenmaekers (quien escribe que "los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta son la línea de fuerza horizontal, es decir, la trayectoria de la Tierra alrededor del Sol, y el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos que tiene su origen en el centro del Sol. [Además,] los tres colores principales son esencialmente el amarillo, el azul y el rojo") y los conceptos arquitectónicos de H.P. Berlage y Frank Lloyd Wright. Se funda también sobre una rigurosa restricción en los medios. Se trata, en definitiva, de alcanzar un arte autosuficiente, capaz de expresar armónicamente la fuerza y armonía del universo, escapando al mismo tiempo de su visión trágica.
Es un arte basado en la abstracción y lo elemental que busca una renovación estética universal. Se caracteriza por el uso de la línea, la geometría y los colores planos (normalmente rojo, azul, amarillo, blanco y negro).
Podemos dividir su desarrollo en tres fases:
- De 1916 a 1921 se produce una fase de formación centrada en Holanda. Son la pintura, la escultura y la polémica cultural las que determinan y configuran la actividad neoplástica durante estos años.
- De 1921 a 1925 se vive un periodo de plenitud y expansión internacional.
- De 1925 a 1931 se produce una fase de evolución posneoplástica que estuvo acompañada de la desintegración. En su inicio está la dramática ruptura entre Mondrian y van Doesburg. Hacia 1930 el ideal neoplástico de un mundo de armonía universal había sido erosionado, en primer lugar por la polémica inconsistencia y controversia internas y, posteriormente, por el efecto de la presión cultural externa.

miércoles, 1 de marzo de 2017

Cronología del antiguo Egipto (esquema)

Los egipcios no contaban el tiempo desde un determinado punto fijo, sino que basaban su cronología en la duración del reinado de cada uno de sus faraones.
Las listas que de ello nos han quedado se encuentran fragmentadas, omiten ciertos reinados por controversias (como pueden ser el de Hatshepsut o el de Akenatón) e incluso hay periodos donde hay varios gobernantes al mismo tiempo que son registrados como reinantes consecutivos. Por lo tanto, la cronología del antiguo Egipto está lejos de ser algo exacto.

sábado, 18 de febrero de 2017

San Andrés de Mantua, Alberti (obra)

San Andrés de Mantua, Alberti
Fachada de San Andrés de Mantua
El proyecto para la transformación de la basílica de San Andrés de Mantua fue realizado en 1470 por Leon Battista Alberti.
Su fachada es considerada como el resultado de la combinación de dos tipologías diferentes, la pronaos de un templo clásico y un arco de triunfo, a los que se une un frontón típico de los templos. Así, fue diseñada como un arco de triunfo de un vano con arco de medio punto sobre pilastras de orden corintio, flanqueadas, a su vez, por tres vanos entre pilastras corintias adosadas sobre pedestales. El intradós del arco se prolonga hacia el interior como una bóveda de cañón con casetones, iguales a los del interior de la basílica.
La fachada se remata con un frontón triangular con óculo sobre un friso.
El edificio es un templo de planta de cruz latina, que en lugar de tener naves laterales tiene capillas y en el que la nave centras esta cubierta por una bóveda de cañón. El transepto fue construido ya en el siglo XV, y su cúpula, proyectada por Filippo Juvarra, data del siglo XVIII.

viernes, 20 de enero de 2017

Jean-François Millet (1814-1875) (tema)

Jean-François Millet (1814-1875) fue un pintor francés realista y naturalista nacido dentro de una familia de campesinos. Tras un primer aprendizaje en Cherburgo, en 1837 consigue una beca que le permite estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de París junto a Paul Delaroche. Ya en los años 40 se aleja del estilo oficial y se deja influenciar por Daumier, de quien aprende el modelado de las figuras y el contraste de luces y sombras.
Jean François Millet, El Ángelus (1857-9)
El Ángelus (1857-9)
Musée d'Orsay
En 1849 se traslada a Barbizón, donde permanece hasta su muerte. Allí es donde coincide un grupo de pintores que serán conocidos como la Escuela de Barbizón o de Fontainebleau, dentro de la que podemos incluir a Millet junto con Camille Corot, Théodore Rousseau o Charles-François Daubigny. Esta escuela, que se caracteriza por la realización de pinturas al aire libre, la observación de la naturaleza y la especialización en el paisaje, se considera precursora del Impresionismo.
Aunque comienza realizando retratos y cuadros mitológicos, lo más característico de su obra son las escenas de campesinos, de los que destaca su inocencia en contraposición a la degradación del ciudadano inmerso en la sociedad industrial.
Posteriormente influirá en artistas como Vincent Van Gogh o Dalí.
Entre sus obras más importantes se encuentran: El aventador, El sembrador, El Ángelus o Las espigadoras.

domingo, 1 de enero de 2017

Sagrada Familia del Pajarito, Murillo (obra)

La "Sagrada Familia del Pajarito" es una pintura al óleo sobre lienzo de 144 x 188 centímetros realizada por Bartolomé Esteban Murillo en torno al año 1650. 
Murillo - Sagrada Familia del Pajarito
Murillo - Sagrada Familia del Pajarito
Museo Nacional del Prado
Se trata de una escena religiosa tratada con cotidianidad en la que aparece la Sagrada Familia: María, José y el Niño. Es un momento de la infancia de Jesús, aparentemente sin importancia, pero cargada de las ideas de la religiosidad barroca en la que se encuadra.
Destaca sobre todo el papel de José en la pintura, que se sitúa en un lugar importante del lienzo y de la escena, siendo así uno de los protagonistas de la narración, como padre protector, y de la composición, algo relacionado con el aumento de su importancia religiosa desde finales del siglo XVI, promovida especialmente por los carmelitas.
El centro de atención lo ocupa el Niño, que sostiene un pajarito con una de sus manos mientras parece jugar con el perro que le mira desde el suelo.
En contraste con estas dos figuras está la de la Virgen, que se encuentra en un lateral de la composición ocupando una posición muy discreta y devanando lana, sin tener ningún protagonismo en la narración.
El escenario es un ambiente costumbrista y familiar de la época.
Su iconografía deriva de un tema pictórico creado por el italiano Federico Barocci.
Técnicamente, destaca el fuerte modelado de las formas, un cromatismo pardo y una iluminación muy tenebrista, encuadrándose por tanto dentro de las primeras obras de Murillo.